La arquitectura es el arte de proyectar y construir edificios o espacios para el uso del hombre, siendo considerada "arte" desde el momento en que conlleva una búsqueda estética. Como ramas principales están:

La Arquitectura

Racionalismo	Funcionalismo	Organiscismo
El Racionalismo arquitectónico es una corriente surgida en Europa tras la I Guerra Mundial. Agrupa las más fuertes personalidades de este siglo; su obra y su teoría son individuales pero tienen el denominador común de la simplicidad de las formas. Así pues se puede decir que el racionalismo arquitectónico, es la depuración de lo ya sobresaturado, dejando solamente lo esencial, lo practico y funcional para cada situación. En la escuela francesa destaca la importante labor investigadora del arquitecto Le Corbusier, principal figura del racionalismo europeo y mundial.	Es el principio por el cual el arquitecto que diseña un edificio debería hacerlo basado en el propósito que va a tener ese edificio. Los orígenes del funcionalismo arquitectónico se pueden remontar a la tríada del arquitecto romano Vitruvio. El arquitecto Louis Sullivan popularizó el lema: “la forma sigue siempre a la función” para dar a entender que el tamaño de un edificio, la masa, la distribución del espacio y otras características deben decidirse solamente por la función del éste. Esto implica que si se satisfacen los aspectos funcionales, la belleza arquitectónica surgirá de forma natural.	El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. Promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada y correlacionada.

LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

EL FAUVISMO - Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. - Se apega a la libertad total de la naturaleza. - Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores que en la realidad no existen. - Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista.

EL FUTURISMO surgió en Milán, Italia. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. - Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo. - Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad. - El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tomaso Marinetti.

EL EXPRESIONISMO Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, siguiendo con artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. - El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista, fauvista, cubista, futurista, surrealista, abstracto, etc.

EL SURREALISMO La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. - Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En el surrealismo, Breton dice que el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo.

EL ARTE ABSTRACTO - El arte abstracto es un concepto opuesto al arte figurativo, que expresa lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. - La abstracción resalta las formas, alejándolas de la imitación de lo natural. - Una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural. - Tiende a que el público haga un lenguaje visual autónomo de las obras, dado de sus propias significaciones (iconografía).

El arte del siglo XX se caracteriza por que esta configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una línea de tiempo. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. 1. La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. 2. La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrió el cambio. Cada cual trajo sus tendencias. 3. Los filósofos aportan con sus teorías reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorías. Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.

Manifestaciones Artísticas

La escultura	Personajes destacados	Aportes o Datos especiales
Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir. Al principio lo hizo con los materiales más simples y que tenía más a mano: piedra, arcilla y madera. Después empleó hierro, bronce, plomo, cera, yeso, plastilina, entre otros. Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios.	Pablo Picasso	Tuvo varios períodos que marcaron su carrera artística, entre ellos están:1. Período azul: Realizó obras en las que utilizaba los tonos azules, casi todas ellas denotan mucha tristeza, en ellas muestra figuras alargadas de mendigos y personajes de la calle. 2. Período rosa: Picasso entra en un período más alegre y pinta escenas de payasos y circos, con un colorido más brillante. 3. Período cubista: Busca una pintura pura y comienza a observar los objetos de su taller, de modo intelectual y a pintarlos buscando en ellos las figuras geométricas básicas. 4. Período surrealista: En esta época usa las formas distorsionadas, representa lo monstruoso y mitológico; sus esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal. 5. Período expresionista: Cuando durante el periodo de la guerra civil en España, Picasso pintó uno de sus cuadros más famosos, Guernica en el que muestra su repudio por la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo de Alemania contra la población de Guernica.
	Pablo Gargallo	1. Sus primeros trabajos estuvieron vinculados a la tradición realista 2. En 1911 su tendencia artística tuvo un cambio a raíz de su encuentro con Picasso y es la influencia del arte primitivo, que estuvo presente en la realización de sus máscaras y de sus figuras de metal. 3. En su última etapa creativa, la pintura de Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras, de entre las cuales destaca El profeta (1933). 4. En los museos de arte moderno de Barcelona y París se encuentran otras obras como: Muchacha de Caspe (1919), El virtuoso (1920), Buey vasco (1930) o Bailarina española (1931).
	Constantin Brancusi	1. Siempre consideró que el escultor francés era el punto de partida de la escultura contemporánea. 2. Sus primeras obras muestran la influencia de Rodin y de los impresionistas, luego en 1908 evoluciona hacia un estilo mucho más personal e inicia un proceso en el que sus figuras se simplifican y tienden hacia la abstracción.
	Julio Gonzáles	1. Fue uno de los artistas modernos más importantes de la primera mitad del siglo XX. 2. Sus innovadoras esculturas con inclinaciones cubistas en su mayor parte son referencias a la figura humana, aunque frecuentemente son abstractas. 3. Dedicó su trabajo sobre todo a la escultura en hierro, a menudo de grandes proporciones.
	Henry Moore	1. Comenzó sus estudios artísticos después de combatir en la Primera Guerra Mundial. 2. Su interés por la escultura arcaica y clásica le llevó a viajar por Italia, Francia y España. 3. Rechazaba la búsqueda de la belleza al estilo de los clásicos o del Renacimiento y en sus obras buscaba tan sólo la expresión de una energía interior. 4. Desde 1930, la figura yacente y la maternidad se configuraron como sus dos temas preferidos, a los que se añadieron más tarde las pequeñas cabezas y los grupos familiares.
	Alexander Calder	1. En 1926 comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre, para luego en 1930 ser famoso por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas. 2. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue orientándose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su talento ha sido reconocido en importantes exposiciones de arte contemporáneo en las que obtuvo grandes éxitos económicos y de crítica. 3. Entre sus obras más importantes destacan las llamadas "Nubes de Calder", que son 22 paneles de madera que reflejan el sonido y actúan de soporte acústico. Se encuentran suspendidos en el cielo raso y en (la diapositiva) 4. (Estas esculturas flotantes creadas por el ingenio de Calder, por requerimiento del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, convierten al local en una de las cinco salas con mejor acústica del mundo)

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